Review: Lightyear

Oi pessoal, tudo bem?

Como fã assumida da Disney e da Pixar, dei um voto de confiança e fui conferir Lightyear no cinema. Querem saber como foi? Continuem lendo! 🚀

Sinopse: Nesta aventura de ficção científica cheia de ação, conhecemos a origem definitiva de Buzz Lightyear, o herói que inspirou o brinquedo. “Lightyear” segue o lendário Space Ranger em uma aventura intergaláctica ao lado de um grupo de recrutas ambiciosos e seu companheiro robô Sox.

A proposta do filme não é contar a história do boneco, mas sim a que inspirou a criação dele – ou seja, a história do filme do qual Andy (de Toy Story) se tornou fã. Apesar disso, existem pequenas referências à franquia dos brinquedos, o que traz um pouco de magia ao longa que, sem a associação, acaba se tornando um sci-fi genérico. As falas do Buzz, o modo como ele se movimenta (saltando de um lado para o outro) e até a teimosia em seguir com suas missões fazem a gente lembrar imediatamente do primeiro Toy Story, mas infelizmente isso não foi suficiente pro filme me deslumbrar.

Na trama, Buzz é responsável por um acidente que prende a tripulação de sua nave em um planeta hostil. Com um forte senso de dever, o espaçonauta está determinado a concluir a missão e devolver a vida normal a seus colegas, à sua melhor amiga (Alisha Hawthorne) e a si mesmo, pois todos sonham em ser grandes patrulheiros espaciais. Acontece que para fugir desse planeta, Buzz precisa fazer testes no espaço com combustíveis instáveis à velocidade da luz, tendo como consequência não apenas falha na missão como uma passagem de tempo de 4 anos a cada tentativa – mas somente pra quem ficou no planeta, não para Buzz, que segue sem envelhecer. Em determinado momento, uma passagem de tempo muito maior acontece e ele se depara com uma nave alienígena que está fazendo refém a população humana do planeta em que estão presos, e o protagonista pode contar apenas com o auxílio de três recrutas atrapalhados e um gato-robô.

O ritmo de Lightyear é um pouco confuso e, uma vez que Buzz viaja para o momento em que a nave alienígena se torna a nova grande ameaça, as coisas se tornam bastante arrastadas. O trio que auxilia Buzz é composto pela neta de sua melhor amiga, Izzy (que tem fobia do espaço), uma velha senhora cumprindo condicional, Darby, e um homem inseguro (e chato demais), Mo. Só se salva o gato-robô, Sox, que é maravilhoso e obviamente criado pra vender bonequinhos depois, mas que a gente ama igual. Ele é o autor das melhores piadas do filme, e também as mais naturais. Os cadetes representam a necessidade de Buzz de se possibilitar ser ajudado, se perdoar pelos próprios erros e também vêm para ensiná-lo a ter humildade – já que no começo do longa ele se acha a pessoa mais capaz do mundo e tem baixíssima tolerância a novatos. Porém, a química entre o grupo não funciona, e em mais de um momento me peguei pensando em quanto tempo faltava para o filme terminar.

A tal nave alienígena que ameaça os humanos é comandada por ninguém mais, ninguém menos que Zurg, personagem que gera o boneco que é um dos vilões de Toy Story 2. E apesar das motivações do vilão até fazerem sentido, o plot destinado a ele demora tanto tempo pra acontecer que a minha paciência já tinha se esvaído. Pra vocês entenderem do que estou falando, dá pra dividir o filme em 3 atos: no primeiro, vemos Buzz e Hawthorne testando combustíveis para voltar à vida normal; no segundo, Buzz está conhecendo seus novos aliados forçados e fugindo dos robôs de Zurg com eles; o terceiro acontece na nave de Zurg, em uma batalha contra o vilão. O que me incomodou foi não sentir uma progressão natural e fluida entre eles, com montagens que deram a sensação de um filme mais longo do que precisava ser.

Mas é claro que, além das referências bem feitas a Toy Story, existem pontos a serem exaltados no longa. Hawthorne, por exemplo, é um exemplo de liderança feminina, além de ser uma mulher negra e parte da comunidade LGTBQIA+. Ela protagoniza o primeiro beijo lésbico que a Pixar apresentou de forma explícita e foi de forma natural e muito fofa, em uma montagem que a mostra construindo uma vida no planeta que, forçadamente, foi obrigada a chamar de lar. Hawthorne está lá pra mostrar a Buzz que nem sempre o dever é a única coisa que conta, e que o amor, os amigos e a família são muito mais valiosos. Além dessa personagem super bacana, o filme também é lindo visualmente. As viagens de Buzz na velocidade da luz são bem impressionantes, as cenas têm uma pegada bem Star Wars e os detalhes gráficos do filme são caprichados – como o realismo das gotas de suor na pele de Buzz em momentos de grande tensão, por exemplo.

Lightyear tem sido chamado de “Interestelar das animações” por algumas pessoas, mas como ainda não vi Interestelar, não posso dar meu parecer. 😂 Contudo, uma coisa que tenho tido cada vez mais certeza sobre mim mesma é que sci-fi não é a minha praia, por mais leve e divertida que a trama seja (e em breve esse assunto vai surgir por aqui de novo, numa das próximas resenhas planejadas). A verdade é que faz um tempinho que a Pixar não me arrebata (ainda que Lightyear tenha conseguido arrancar uma ou duas lágrimas), e estou sentindo falta de produções como o incrível e sem defeitos Viva – A Vida é Uma Festa. Lightyear, na minha humilde opinião, é só mais um sci-fi entre tantos que eu provavelmente não vou assistir novamente. Espero que vocês tenham uma experiência melhor mas, no meu coração, quem ganha ainda é o boneco. ❤

Título original: Lightyear
Ano de lançamento: 2022
Direção: Angus MacLane
Elenco: Chris Evans, Uzo Aduba, Peter Sohn, Keke Palmer, Taika Waititi, Darby Steel, James Brolin

Dica de Série: Fundamentos do Prazer

Oi pessoal, tudo bem?

Vamos de dica +18 hoje? Vamos! Quero apresentar a vocês a um documentário curtinho – mas bem relevante – da Netflix chamado Fundamentos do Prazer. 🙂

Sinopse: Sexo, alegria e ciência moderna se unem nesta série reveladora para enaltecer a complexidade do prazer feminino e destruir mitos antiquados.

A produção de apenas 3 episódios tem como objetivo principal levantar o debate sobre como o sexo e o prazer se relacionam com o gênero feminino. O fato é que ainda vivemos em uma sociedade machista, que inibe as mulheres de descobrirem o próprio corpo e aquilo que funciona pra elas no âmbito erótico, portanto é muito comum encontrar mulheres adultas que nunca experimentaram um orgasmo ou tiveram uma relação sexual satisfatória. Some isso ao fato de que o conservadorismo também cumpre seu papel de tentar impedir a educação sexual nas escolas e teremos como resultado um número enorme de mulheres insatisfeitas sexualmente ou propensas a aceitar relações que não as satisfazem por tratar tal situação como normalidade.

O primeiro episódio é focado no corpo feminino. E aqui vale mencionar o acerto do documentário em trazer uma diversidade enorme: mulheres de diversas faixas etárias, heterossexuais, lésbicas ou bissexuais, trans, negras, gordas, magras… as convidadas que participam com seus depoimentos são diversas e consequentemente causam uma empatia imediata, pois é possível nos enxergarmos em seus relatos. Além disso, o documentário também traz pesquisadoras importantes do ramo, bem como profissionais do meio sexual (como uma empresária dona de uma sex shop) para aprofundar o debate. O primeiro episódio gira em torno da biologia por trás do orgasmo feminino: o documentário apresenta claramente o potencial clitoriano, que por tantos (homens, cof cof) é visto como algo tão pequeno e insignificante – sendo um órgão bem maior do que o que vemos no exterior. As participantes do documentário focadas em elucidar questões e tirar dúvidas explicam como o corpo feminino opera do ponto de vista mais funcional, enquanto as mulheres que compartilham suas experiências revelam seu processo de aprender mais sobre o próprio corpo.

O segundo episódio tem como pauta o poder da mente e do impacto dos pensamentos para o prazer feminino. Mas não de um jeito estereotipado, de que as mulheres têm mais dificuldades do que os homens para sentirem prazer. Na verdade, o documentário provoca a reflexão de que o sexo deve começar muito antes da iniciativa física, e que uma responsividade corporal não necessariamente reflete uma disposição mental para o ato em si. O que eu quero dizer com isso? Que mesmo uma resposta física positiva ao estímulo pode não significar necessariamente que a mulher esteja pronta para de fato engajar em uma relação, porque sua mente pode não estar no lugar certo naquele momento. E por que falar sobre isso é importante? Porque entender como funcionamos é essencial para saber quando queremos de fato dizer sim ou não a uma investida – o famoso consentimento, mais aprofundado no episódio 3.

É no último episódio do documentário que ele se debruça sobre as relações de afeto e a sexualidade. E aqui vale trazer novamente o peso do consentimento para as relações. Um tema ainda nebuloso, mas real, é o estupro marital. Em um casamento (principalmente heterossexual), existem parceiros que podem sentir que possuem “direito” ao corpo do outro, sendo o sexo uma obrigação que faz parte do relacionamento. Essa objetificação do corpo feminino é grave e trata-se de um sintoma de uma sociedade que ainda coloca mulheres como seres à disposição dos homens, devendo cumprir seus “deveres” pressupostos. Por isso é tão importante refletir sobre a saúde das relações afetivo-sexuais e empoderar mulheres a respeito de seus corpos e seus prazeres, de modo a entender o que é uma resposta genuína ao desejo daquilo que é uma resposta unicamente física e biológica.

Fundamentos do Prazer é um documentário curtinho, com abordagem irreverente e traz participantes diversas – todas com suas próprias histórias, medos, dúvidas e conquistas. É um lembrete importante do quão empoderador é ser dona do próprio corpo e das próprias vontades, e nada como o autoconhecimento para nos dar as ferramentas necessárias a esse processo. Talvez, como crítica negativa, tenha faltado um pouco mais de aprofundamento nas questões que envolvam prevenção de ISTs e afins, que também é um fator importante que deve ser levado em consideração em cada relação. Recomendo não apenas às mulheres, mas também aos homens que desejam abrir a mente e entender mais sobre o universo do prazer feminino. Todo mundo sai ganhando. 🙂

Título original: The Principles of Pleasure
Ano de lançamento: 2022
Direção: Niharika Desai
Elenco: Michelle Buteau, Supriya Ganesh, Annie Pisapia, Gina Nicole Brown

Review: Tokyo Revengers

Oi pessu, tudo certo?

A personagem Pri otaku tava há um tempo sem dar as caras por aqui, né? 😂 Então hoje vim dividir minhas impressões sobre um anime que vem fazendo bastante sucesso e cuja segunda temporada está confirmada: Tokyo Revengers.

Sinopse: Takemichi Hanagaki é um desempregado que sobrevive de bicos e está na fossa. Ele descobriu que Hinata Tachibana, sua primeira e última namorada, com quem namorou no fundamental, foi morta pela impiedosa Gangue Manji de Tóquio. No dia seguinte à notícia, ele está na beira da plataforma do trem e é empurrado pela multidão. Ele fecha os olhos se preparando para morrer, mas ao abrir, ele voltou no tempo para quando tinha 12 anos de idade. Agora que ele está na melhor época de sua vida, Takemichi decide se vingar de sua vida, salvando sua namorada e parando de fugir de si mesmo.

Antes de falar sobre o plot em si, vale ressaltar que Tokyo Revengers explora uma subcultura japonesa dos delinquentes, como os próprios personagens dizem. Mas, apesar da palavra ser abrangente, existem diversos grupos que se enquadram nessa categoria – dos bullies de colégio até gangues de motoqueiros. A questão é que são indivíduos que destoam do bom comportamento esperado, especialmente nesse contexto de animes escolares (como é o caso de Tokyo Revengers).

Ok, com isso posto, vamos à trama: Takemichi é um rapaz de 26 anos que se considera um loser. No passado, ele e seus amigos mais próximos tentaram formar uma espécie de gangue pra amendrontar outros alunos da escola, mas acabaram se tornando “lacaios” de uma gangue importante, a Toman (abreviação de Gangue Manji de Tóquio), até que o Ensino Médio acabou e ele se afastou de tudo isso, deixando namorada e amigos pra trás. Esse passado do qual Takemichi fugiu volta a assombrá-lo quando ele vê uma notícia de que Hina, sua antiga namorada, morreu em uma ação causada pela Toman. Após receber essa notícia chocante, o rapaz é empurrado numa estação de trem em direção aos trilhos, mas acaba sendo salvo pelo irmão mais novo da moça, Naoto, que se tornou policial e investiga a Toman. O aspecto “mágico” do anime fica por conta de uma habilidade que os dois descobrem nesse incidente na estação: ao tocar Naoto, Takemichi é capaz de voltar 12 anos no passado – mas sempre 12 anos a partir do dia presente. Ou seja, ele ganha uma nova chance de mudar a forma como as coisas aconteceram, mas não pode fazer isso várias vezes, já que cada dia é único tanto no presente quanto no passado. Com isso em mente, o objetivo da dupla é impedir que a Toman se torne maligna e cause a morte de Hina, mas a convivência com os membros da gangue e as alterações provocadas fazem com que Takemichi perceba que tem muito mais vidas em jogo do que ele imaginava.

Além da curiosidade provocada pelo questionamento de “será que é possível mudar o passado?”, um dos grandes méritos de Tokyo Revengers reside muito em seus personagens secundários. Quando Takemichi retorna para seus tempos de escola, ele provoca alterações que o levam a se aproximar do comandante da Toman, Mikey, e seu vice, Draken. Os dois são personagens perigosos e, desde sua primeira aparição, é nítido que eles impõem respeito sem esforço. Em contrapartida, Mikey tem um jeito quase infantil quando não está na sua “postura de comandante”, e faz amizade com Takemichi rapidamente. Draken, por sua vez, vai se revelando como o estereótipo do cara que é durão por fora, mas com um bom coração; ele cuida de Mikey com uma lealdade inabalável, e também acolhe o protagonista, estendendo sua proteção a ele também. Os dois são muito carismáticos e não demoram a roubar a cena, especialmente porque o anime tem muito mais desenvolvimento no passado (com Takemichi na escola) do que no presente (quando ele já é adulto), então vemos de perto como a Toman era conduzida por eles no começo da gangue.

Porém, sabemos que no futuro a Gangue Manji de Tóquio foi para um caminho de crimes muito mais pesados, e é aí que a nossa curiosidade é atiçada. Na primeira linha temporal apresentada, o anime nos relata o destino trágico de determinado personagem; Takemichi então acredita que precisa mudar esse acontecimento para evitar o caos no futuro. Mas, conforme ele vai tendo sucesso na sua missão, ele volta ao presente (apertando a mão da versão criança do Naoto) e percebe que ainda assim não conseguiu salvar Hina. É nesse ponto que Tokyo Revengers me instigou: será mesmo possível mudar as coisas ou estamos presos à inevitabilidade do destino? Assistir às tentativas do protagonista de salvar a todos a quem ele se afeiçoa me fez pensar em Efeito Borboleta 1, um filme que até hoje encaro como sensacional e que tem um gosto amargo por mostrar que mexer com o destino pode ser ainda mais perigoso do que simplesmente aceitá-lo.

Esse lado místico de Tokyo Revengers não é o foco da trama, sendo bem mal explicado e algo que considero um defeito. Comentei algo parecido na minha resenha de É Assim Que se Perde a Guerra do Tempo, que também traz o conceito de viagem temporal de modo apenas expositivo, sem maior aprofundamento. Ou você aceita, ou você aceita, a vibe é essa. 😂 Talvez no futuro o anime se debruce mais nessas questões relacionadas à habilidade de Takemichi de voltar no tempo, mas até o momento o que temos é um elemento místico que serve como catalisador de uma trama que é bem mais focada na tentativa do personagem de evitar maquinações políticas e salvar as pessoas que ele ama.

Mas se os membros da Toman (que vão além de Mikey e Draken – menção honrosa a Baji e a Chifuyu, capitão e vice da 1ª Divisão da gangue, respectivamente) são interessantes e aprofundados, o nosso protagonista é o elo fraco da corrente. Infelizmente, durante a primeira temporada ele passa a maior parte do tempo chorando e se sentindo inútil. E sabem o que é pior? Sendo sincera, essa é a reação mais realista possível quando pensamos que até ontem o personagem era um coitado que nem sabia brigar e que agora se vê no meio de tretas pesadas de uma gangue. Faz sentido que ele tenha medo de agir, e eu reconheço isso. Mas como são 25 episódios de Takemichi sofredor, dá uma afliçãozinha que ele demore tanto a entender que precisa fazer alguns sacrifícios e pensar de forma menos inocente e míope para as situações se quiser atingir seus objetivos. Tenho esperança de que todo o sofrimento que ele vivenciou na primeira temporada sirva como força impulsionadora de uma mudança mais ativa na próxima.

É bem interessante assistir a um anime que faz o espectador gostar de personagens que visivelmente estão fazendo coisas erradas – inclusive tendo cenas violentas e com bastante sangue “explícito”. Mas Tokyo Revengers faz um ótimo trabalho em trazer intrigas políticas pro cerne da história, fazendo com que a missão do protagonista vá muito além de mexer em um ou outro acontecimento do passado pra salvar a garota pela qual ele sempre foi apaixonado. O vilão apresentado ainda teve pouco tempo de tela, mas as linhas temporais já deixaram claro o quanto suas garras penetraram na organização e essa ameaça latente também nos ajuda a querer saber o que vai acontecer no próximo episódio. Não é um anime perfeito, tem alguns problemas de conveniência de roteiro e falta de aprofundamento e seu protagonista não é o mais carismático de todos os tempos. Contudo, o olhar focado na subcultura dos deliquentes, a ameaça que gira em torno de movimentações e intrigas políticas, os carismáticos membros da Toman e o foco na lealdade e na amizade fazem com que Tokyo Revengers ganhe um espaço bacana no coração. Se você curte animes, vale espiar. 😉

Título original: Tōkyō Ribenjāzu
Ano de lançamento: 2021
Direção: Koichi Hatsumi
Elenco: Yuuki Shin, Yu Hayashi, Tatsuhisa Suzuki, Griffin Puatu, Azumi Waki

Review: Doutor Estranho no Multiverso da Loucura

Oi pessoal, tudo bem?

O filme pelo qual eu andava hypadíssima chegou e a dupla que eu amo está de volta: Wanda Maximoff e Stephen Strange, os protagonistas (sim, no plural, e já já explico porquê) de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. ❤ É impossível falar do filme sem mencionar quem é responsável pelo papel de antagonista, então se você considera isso um spoiler, é melhor evitar esse review. Mas o tema já está sendo bastante discutido na internet e nos materiais de divulgação, então acho pouco provável que você ainda não saiba dessa informação. Bora lá?

Sinopse: Em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, do Marvel Studios, o MCU liberta o multiverso e explora seus limites como nunca foi feito antes. Viaje pelo desconhecido com Doutor Estranho, que, com a ajuda de novos e velhos aliados, atravessa insanas e perigosas realidades do Multiverso para confrontar um misterioso novo adversário

Há algum tempo a Marvel vem trabalhando o conceito de Multiverso, sendo as aparições mais recentes e significativas em Loki, What If…? e Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa. Mas é aqui, em Doutor Estranho 2, que esse conceito se expande como nunca, nos oferecendo possibilidades infinitas dentro do MCU.

A trama tem seu pontapé inicial quando Strange e Wong salvam uma menina chamada America Chavez de uma criatura monstruosa. Logo eles descobrem que ela não vem daquele universo, mas sim de outra Terra, e está sendo perseguida por demônios que querem roubar o seu poder – a incrível habilidade de viajar pelo Multiverso (sobre a qual America ainda não tem controle). Stephen decide então recorrer a uma de suas aliadas mais poderosas, alguém que pode ajudá-lo a proteger America: Wanda, que aparentemente vive em isolamento após o incidente em Westview. Mas se você assistiu WandaVision, talvez se lembre que na cena final vemos Wanda estudando um livro misterioso; trata-se do Darkhold, repleto de feitiços sombrios e capaz de corromper aqueles que o usam. E é o que acontece com Wanda: obcecada pela ideia de encontrar um universo no qual seus filhos estejam vivos e viajar para lá, Wanda é a verdadeira pessoa por trás dos ataques a America. De forma inesperada, Stephen se vê do lados oposto daquela que até então vinha sendo uma importante aliada nos Vingadores.

Não é injusto dizer que, apesar do plot do Stephen ser ótimo, o protagonismo real desse filme é da Wanda. A personagem, ainda que num papel de vilã, é capaz de despertar empatia no espectador. Afinal, desde sua primeira aparição em Era de Ultron, ela vem vivendo perdas irreparáveis: primeiro fica órfã, depois perde seu irmão gêmeo, então se apaixona e vê seu amor sendo assassinado e por fim precisa dar fim à realidade na qual ela tem uma família. Não é de se surpreender que Wanda se apegue a qualquer chance de salvar o resquício de felicidade que ela pensa ser possível, ainda que precise sacrificar alguém no caminho. A transformação em Feiticeira Escarlate não é algo que acontece de súbito, e muito menos uma novidade de Multiverso da Loucura; cada produção da Marvel, cada perda pessoal de Wanda a trouxe para esse caminho.

Mas se Wanda foi corrompida pelo Darkhold, Stephen Strange também precisa encarar suas fraquezas. Ao longo do filme, acompanhamos suas viagens pelo Multiverso com America, na tentativa de encontrar um outro Stephen Strange que possa ter conhecimento sobre um livro que é conhecido como a antítese do Darkhold, o Livro de Vishanti. Durante esse processo, ele vê faces de si mesmo que ele não admira: ele percebe como suas falhas também se repetem em outros universos, o que o faz se questionar sobre suas decisões e sobre a inevitabilidade de seus erros. Ele encontra um Strange igualmente corrompido pelo Darkhold, encontra outra Christine que o confronta sobre sua necessidade de controle (algo que “sua” Christine também evidencia), entre outros aspectos que o fazem duvidar de si mesmo. E, particularmente, gosto que Stephen Strange seja um personagem falho; é muito mais relacionável torcer por alguém que está tentando fazer a coisa certa, mas que nem sempre sabe como – e erra no caminho.

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura também nos presenteia com aparições de cair o queixo. Aqui sim vou soltar spoilers, então se quiser ler selecione o texto a seguir: eu vibrei internamente quando os Illuminati apareceram! Amei ver a Capitã Carter, porque sou apaixonada pela Peggy e até hoje não superei o cancelamento da série dela. Tê-la visto em What If…? e agora de volta ao MCU foi sensacional. Além disso, as suspeitas que eu havia lido de que John Krasinski (o Jim, de The Office) seria o Senhor Fantástico se confirmaram, e eu gostei muito dele no papel. Mas, pra fechar com chave de ouro, não poderia deixar de citar o retorno de Patrick Stewart como Charles Xavier. ❤ Essa aparição quase provocou o mesmo queixo caído que o crossover de Peters em Sem Volta Para Casa. 😂 Tudo isso abre tantas portas no MCU que é impossível não ficar animada pelo que está por vir.

Apesar de contar com algumas piadas aqui e ali, o tom de Multiverso da Loucura não é engraçadinho. Sendo sincera, levei até um sustos! 🙈 A busca de Wanda por America rende cenas de perseguição bem sanguinolentas, porque a personagem utiliza a magia das trevas do Darkhold para entrar na mente dos inimigos, manipulá-los e assassiná-los. Alguns personagens morrem de formas brutais, o que não é tão comum nos longas da Marvel. Pra completar a vibe meio “Carrie, A Estranha”, Wanda persegue Stephen e America coberta de sangue da cabeça aos pés, em cenas mais escuras e “opressivas”.

Ainda que Doutor Estranho no Multiverso da Loucura não seja um filme focado em Stephen Strange, mas sim em desenvolver e talvez concluir esse arco narrativo da Wanda, o personagem de Benedict Cumberbatch não é negligenciado. Ele é confrontado por pessoas importantes e pelas suas escolhas de vida – seja na Terra ao qual pertence, seja em outras. O longa cumpre seu papel de mostrar quão vastos são os caminhos que o Multiverso permite, além de dar tempo de tela ao desenvolvimento de dois dos personagens mais interessantes do MCU. Gostei demais!

P.S.: Wanda, faz o que você quiser que eu passo todos os panos do mundo.
P.S. 2: o Visão foi esquecido no churrasco nas ambições da Wanda, né. 😂

Título original: Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Ano de lançamento: 2022
Direção: Sam Raimi
Elenco: Benedict Cumberbatch, Elizabeth Olsen, Benedict Wong, Chiwetel Ejiofor, Xochitl Gomez, Rachel McAdams, Jett Klyne, Julian Hilliard

Dica de Série: Em Defesa de Jacob

Oi pessoal, tudo bem?

Como boa fã de suspenses que sou, conferi uma série que estava no meu radar há tempos: Em Defesa de Jacob. Bora conhecer?

Sinopse: Uma família sofre um grande baque quando o filho é acusado de matar um colega de classe.

Os Barber são, aparentemente, a família perfeita: Andy, o pai, é um assistente de promotoria bem-sucedido; Laurie, a mãe, trabalha com educação infantil; e Jacob, o filho, é um adolescente de 14 anos tímido e comum. Esse status quo sofre uma ruptura quando Ben Rifkin, colega de Jacob, é encontrado morto – e as evidências apontam para Jacob como autor do crime. A partir desse momento começa a luta contra o tempo dos Barber pra provar a inocência do filho, ao mesmo tempo em que precisam lidar com as próprias dúvidas e questões ao longo do processo.

De modo geral, achei Em Defesa de Jacob um tantinho lenta demais, mas não necessariamente cansativa ou enfadonha. Somos guiados pela trama por Andy que, afastado da promotoria enquanto o caso se desenrola, fica obcecado em investigar por conta própria Leonard Patz, um outro suspeito que poderia inocentar seu filho. Além disso, Andy também precisa lidar com um segredo de seu passado vindo à tona, agora que a mídia caiu em cima de sua família como abutres: ele é filho de um estuprador e assassino conhecido como Billy Sangrento, que cumpre prisão perpétua desde que Andy tinha 5 anos. Esse segredo vem para abalar ainda mais a confiança da família Barber, especialmente a de Laurie, que fica estupefata com uma revelação dessas feita após 15 anos de relacionamento.

Aliás, confiança é a palavra-chave aqui. Laurie se torna a personagem mais interessante da série justamente por conta disso: é ela que fica mais abalada com as revelações sobre o passado de Andy e com as suspeitas sobre seu filho. Mas, indo além, Laurie também teme ter falhado como mãe, ter perdido sinais que apontassem que seu filho pudesse ser um sociopata. As cenas de flashback, em que Laurie relembra um momento potencialmente violento de seu filho na infância, cumprem o papel de evidenciar que, desde sempre, Laurie temia que algo não estivesse certo com Jacob. O fato de que Andy permanece irredutível em sua crença no filho faz com que a esposa se sinta sozinha, culpada e incompreendida, temendo ter errado tanto na criação do filho quanto por desconfiar dele. Essa zona cinzenta dos sentimentos de Laurie me fez lembrar de O Impulso, que também explora a dúvida de uma mãe sobre a inocência de seu filho. Como reagir quando, no fundo do seu coração, você sente que seu filho pode ter feito algo imperdoável? É essa a pergunta que Laurie se faz ao longo dos 8 episódios que compõem a minissérie.

Gostei também da atuação do elenco como um todo. A série se passa no presente, 10 meses após o assassinato de Ben, e no passado, durante o processo de julgamento. No presente Andy está conversando com Neal, o assistente de promotor que o substituiu no caso dos Rifkin. As perguntas parecem pressionar Andy em direção à revelação do veredicto a respeito de Jacob, e é palpável no rosto de Chris Evans que naquele momento o personagem está carregando um fardo muito pesado. É com o passar dos episódios, conforme o interrogatório no presente se aproxima dos acontecimentos da época do julgamento, que entendemos o verdadeiro plot twist que a série nos reserva. Além da atuação de Evans, Michelle Dockery entrega a dor, a confusão e o dilema interno de Laurie com muita competência, sendo a personagem que mais mexeu comigo ao longo da trama. Fica também meu elogio para Jaeden Martell, que deu vida a um Jacob inexpressivo e apático, diria até que com um quê de falta de emoção. Eu gostei muito da performance dele em It e, no filme, eu curti muito o personagem e senti pena por ele ter perdido o irmão, enquanto aqui ele me surpreendeu por conseguir oferecer uma performance fria e totalmente diferente.

O final da série não me chocou tanto quanto poderia e, de certo modo, foi coerente. Porém, achei um tanto quanto covarde. Fui pesquisar o final do livro pra comparar e achei muito melhor do que sua versão televisiva. O resto do parágrafo tem spoiler, selecione se quiser ler: na série, Laurie vinha sendo trabalhada como uma personagem cuja estabilidade emocional estava muito abalada por ter desconfiado do próprio filho, ter se tornado uma pária em sua comunidade e depois ver Jacob sendo inocentado do caso Rifkin – ou seja, percebendo que suas suspeitas foram teoricamente injustas e infundadas. Quando um novo desaparecimento próximo dos Barber acontece (de Hope, uma namoradinha que Jacob faz enquanto a família viaja de férias para o México) e Laurie desconfia novamente de Jacob, a série perde a oportunidade de mostrar que a decisão final dela foi pautada no medo de que seu filho matasse novamente. Enquanto no livro fica 90% claro que Jacob matou Hope, na série a garota desaparece mas é encontrada alguns dias depois (porque algum cara colocou drogas em sua bebida numa festa). Ou seja, na adaptação Laurie descobre que Jacob não matou a menina e ainda assim tenta se matar junto com ele, parecendo que ela deu uma de surtada do nada. Como disse, achei covarde e colocou uma carga de “exagero” injusta na personagem de Laurie. O final do livro, em que ela vê essa atitude como a única forma de parar seu filho, um potencial serial killer, foi muito mais interessante e corajoso pra mim. Fim do spoiler. 😛

Em Defesa de Jacob é uma boa série de suspense, cuja proposta não gira em torno de ter respostas definitivas sobre culpa ou inocência, mas sim sobre quão longe uma família pode ir para defender quem ama – mesmo que isso signifique medidas extremas. Apesar de ser um pouquinho enrolada, o carisma do elenco principal e as dúvidas que cercam os personagens fazem o espectador se manter atento aos desdobramentos que virão. Um outro ponto que adoro são cenas de julgamento, sempre emocionantes e cheias de reviravoltas, e as encontramos em Em Defesa de Jacob. Resumindo: pra quem gosta do gênero, recomendo bastante! 😉

Título original: Defendind Jacob
Ano de lançamento: 2020
Direção: Morten Tyldum
Elenco: Chris Evans, Michelle Dockery, Jaeden Martell, Cherry Jones, Pablo Schreiber, Betty Gabriel, J.K. Simmons

Review: Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore

Oi pessoal, tudo bem?

Depois da colcha de retalhos esquisita e cheia de fanservice mal feito que recebemos em Os Crimes de Grindelwald, confesso pra vocês que eu não tava esperando muita coisa de Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore. Pra ser honesta, acho que Animais Fantásticos poderia ter sido um filme solo, mas segue o baile. 😂 Talvez tenham sido as baixas expectativas, mas no fim das contas o filme ofereceu uma experiência bem melhor que a que tive com seu antecessor, ainda que tenha problemas, sobre os quais vou contar um pouquinho mais ao longo do post.

Sinopse: O professor Alvo Dumbledore (Jude Law) sabe que o poderoso mago das trevas Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) está se movimentando para assumir o controle do mundo mágico. Incapaz de detê-lo sozinho, ele pede ao magizoologista Newt Scamander (Eddie Redmayne) para liderar uma intrépida equipe de bruxos, bruxas e um corajoso padeiro trouxa em uma missão perigosa, em que eles encontram velhos e novos animais fantásticos e entram em conflito com a crescente legião de seguidores de Grindelwald. Mas com tantas ameaças, quanto tempo poderá Dumbledore permanecer à margem do embate?

Gellert Grindelwald agora é um homem procurado, e Dumbledore está determinado a pará-lo. Porém, como o pacto de sangue dos dois os impede de lutar, Alvo precisa montar um time de aliados capazes de ajudá-lo. É assim que Newt, Jacob, Theseus, Yusuf Kama, Lally e Bunty (essas duas últimas eu nem lembrava quem eram rs) se transformam no grupo que vai enfrentar o maior bruxo das trevas visto até então. Em paralelo, Grindelwald está em busca de uma forma não apenas de se livrar das acusações, mas de manipular as eleições vindouras para Chefe Supremo da Confederação Internacional dos Bruxos (é nesse contexto que Maria Fernanda Cândido, com suas 2 falas, aparece: ela é uma das candidatas haha).

Mais uma vez, senti que Animais Fantásticos está pecando ao costurar as diversas tramas paralelas que compõem o cenário de luta política envolvendo Grindelwald. O filme tem muitos pontos para apresentar: o passado apaixonado de Gellert e Alvo, os tais segredos da família Dumbledore (que são diferentes da óbvia mentira que o vilão contou a ele no final do filme anterior), a disputa política pela Confederação, a missão dos aliados de Alvo na tentativa de impedir Gellert, a caça a uma criatura mágica raríssima capaz de interferir nas eleições, a redenção de dois personagens-chave… ufa! O que sobra pra mais 2 filmes, já que a franquia pretende ter 5? Não sei dizer.

Porém, apesar desse bolo meio confuso, o ritmo do filme flui bem melhor que o do longa que o precedeu. Foi menos cansativo ver o desenrolar da história, ainda que infelizmente exista uma sensação de que ninguém ali de fato é protagonista de nada. Tenho uma esperança bem grande de que Dumbledore e Grindelwald passem a ser as verdadeiras estrelas daqui pra frente, porque ainda não estou satisfeita com a representação de nenhum deles. Não consigo enxergar o Alvo que conhecemos em Jude Law, e mesmo Mads Mikkelsen sendo um excelente ator e tendo bem mais química com Jude do que Depp tinha, Grindelwald ainda continua sem me causar impacto.

Outro ponto importante a ser tratado é em relação à redenção que mencionei anteriormente. Isso pode ser considerado spoiler, então pule pro próximo parágrafo se não quiser ler. Credence é um personagem importante desde o primeiro filme, e aqui vemos que uma comunicação entre ele e Aberforth acontece por meio do espelho que o segundo possui (o mesmo espelho que vemos em Harry Potter anos depois). Apesar de ficar subentendido que o garoto está sendo acolhido por Aberforth, sua mudança e desejo de ajudar o lado dos Dumbledore são súbitos demais. O mesmo ocorre com Queenie: começa que só o fato dela ter ido pro lado de Grindelwald no filme anterior foi uma decisão abrupta e descabida; sua redenção aconteceu quase tão rápido – o que é igualmente broxante. Do nada a personagem que vinha sendo uma peça-chave para o vilão devido a sua habilidade de ler mentes se vira contra ele e ajuda Alvo e seus aliados. Oi? Não que eu quisesse Queenie do lado das trevas por muito tempo, mas parece que ninguém sabe como conduzir as transformações dos personagens de modo coerente. Querem um exemplo disso? A Tina! Como que alguém tão importante nos primeiros filmes simplesmente se omite nesse? Não faz o menor sentido (mas pode ter a ver com o fato da atriz ter se manifestado publicamente contra a transfobia da J.K.).

Como aspectos positivos, ressalto o uso da magia e as cenas de batalha, bem como as aparições das criaturas mágicas. Newt e Theseus protagonizam uma cena hilária com animais perigosos, rendendo boas risadas. Os aspectos visuais da franquia são muito bonitos e bem feitos, tanto no que diz respeito à magia quanto às criaturas fantásticas em si. Também não posso deixar de fora a trilha sonora, que é ótima, e inclusive traz de volta a música-tema de Harry Potter – capaz de arrepiar qualquer potterhead na hora.

Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore acerta onde seu antecessor falhou, trazendo um ritmo narrativo mais fluido e menos cansativo. Por outro lado, segue sendo um “espichamento” de uma história que parece não ter encontrado seu caminho, o que me soa como uma franquia caça-níquel mal planejada. O lado bom é que, durante a projeção, me senti empolgada pelo que via na tela, ainda que todos esses defeitos me passassem pela cabeça. Então, pelo menos como entretenimento, ele cumpriu seu papel. Magistralmente? Não. Mas cumpriu. Veremos o que o futuro reserva. 👀

Título original: Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore
Ano de lançamento: 2022
Direção: David Yates
Elenco: Eddie Redmayne, Jude Law, Mads Mikkelsen, Ezra Miller, Dan Fogler, Alison Sudol, Callum Turner, Jessica Williams, Richard Coyle

Dica de Série: Heartstopper

Oi pessoal, tudo bem?

Quem me acompanha no Twitter ou no Instagram já deve ter percebido que há tempos estou monotemática devido a Heartstopper. 😂 Fazia muito tempo que uma leitura feita por puro prazer não me proporcionava tanta endorfina e um sentimento tão gostoso de fangirl, sabem? E sexta-feira estreou a adaptação na Netflix, que eu maratonei e cujo resultado ficou absolutamente perfeito. Tão perfeito que estou escrevendo esse post com um sorriso no rosto e a esperança de convencer vocês a maratonarem também. ❤ Ah, observação: vou fazer algumas comparações com o material original, mas sem spoilers!

Sinopse: Nesta série sobre amadurecimento, os adolescentes Charlie e Nick descobrem que são mais que apenas amigos e precisam lidar com as dificuldades da vida escolar e amorosa.

Pra não ser muito repetitiva com quem leu o post anterior (resenha dos dois primeiros volumes da HQ), vou resumir o plot de Heartstopper: Nick Nelson é o astro do rúgbi, Charlie Spring é o único menino gay assumido na escola para meninos que ambos estudam. Ao se tornarem uma dupla em uma das aulas, uma amizade rapidamente se forma, e eles descobrem uma grande afinidade. Charlie não demora a sentir um crush forte em Nick, mas presume que o garoto seja hétero; Nick começa, aos poucos, a sentir dúvidas sobre se o que sente por Charlie é somente amizade. Quando fica nítido que a relação evoluiu para outro tipo de sentimento, os dois precisam entender a melhor forma de ficarem juntos, especialmente quando sair do armário pode ser um processo tão difícil e particular.

Vamos começar a falar da série pelo casting dos protagonistas. O QUE SÃO KIT CONNOR (Nick) E JOE LOCKE (Charlie), meu Deus do céu??? A química de milhões existe, e é entre eles. Kit Connor tem um jeitinho tão meigo que, inclusive, me lembrou o Rony de Rupert Grint nos primeiros filmes de Harry Potter. A testa franzida, a carinha de sem jeito, o sorrisinho torto… esses trejeitos que ele tem em comum com o Rony me fizeram ter ainda mais simpatia pela interpretação de Kit. Nick é meu personagem favorito de Heartstopper, e a atuação de Kit foi tudo que eu pedi e muito mais.Joe Locke também encaixa perfeitamente no papel de Charlie, principalmente por conseguir transmitir as nuances bastante diversas que o personagem sente: Char é deixado de lado por um boy lixo que tem vergonha dele, sofre bullying, tem seu coração partido enquanto pensa que Nick é hétero, se sente um peso na vida das pessoas que o cercam… são vários elementos que trazem complexidade ao personagem. Mas além dos aspectos mais delicados e tristes, por assim dizer, ele também tem um olhar encantado, um sorriso sem graça, um jeitinho de provocar Nick que é tão FOFO que você se pega sorrindo só de olhar. Melhor casal não há! ❤

A série acerta em cheio ao dar espaço aos dilemas dos personagens secundários que fazem parte do grupo de amigos de Charlie. Tao, por exemplo: o melhor amigo de Char é um personagem bem mais unidimensional na HQ (e pouco carismático, diga-se de passagem). Na série, ele tem algumas atitudes irritantes envolvendo ciúmes de Charlie, mas no geral o espectador consegue compreender seus motivos e simpatizar mais com ele. Ele é um verdadeiro leão defendendo seus amigos, e teme que Charlie sofra o bullying que sofreu ao ser tirado do armário – por isso é tão resistente a sua aproximação com Nick. Além de Tao, a melhor amiga dos dois, Elle, é outra que ganha destaque: a jovem é uma garota trans que recém se mudou para o colégio para meninas que fica em frente (ou ao lado, a geografia que me perdoe rs) ao dos meninos, do qual ela saiu. Ela sente medo de ficar só e tem dificuldades de se enturmar, até que conhece Tara e Darcy, um casal lésbico que acolhe Elle e cria um laço muito bonito com ela. Essa dupla inclusive é super relevante para que Nick tenha coragem de ser honesto sobre o que sente, e a série acertou mais uma vez ao dar mais dimensão para as duas: Tara não se arrepende de ter se assumido, mas ela enfrenta comentários de hate no Instagram e isso abala seus sentimentos. Por isso, todo o processo de ganhar autoconfiança e se empoderar se torna ainda mais bonito na série, sendo uma camada bem-vinda a algo que já funcionava bem nos quadrinhos. 

Existem poucas mudanças substanciais em relação à trama, sendo que nenhuma delas impacta a história a ponto de deturpar aquilo que lemos. Além disso, o roteiro é sagaz em colocar pistas de aspectos que foram trabalhados na HQ 3 (que não foi o material base pra primeira temporada, somente os volumes 1 e 2 por enquanto) e provavelmente nas HQs seguintes. Aliás, Heartstopper é uma das adaptações mais fieis que já vi na minha vida! Tem cenas que são exatamente iguais às das páginas, inclusive com falas icônicas que eu nem acreditei que estava vendo na tela. ❤ Além de elementos gráficos que deixam os episódios lindos (como as folhinhas desenhadas voando ao vento), há pequenos detalhes que os leitores conseguem perceber de imediato: o quarto de Nick e Charlie é igual aos dos quadrinhos, o All Star branco de Char e o Vans de Nick estão sempre ali, e até a touquinha de lã onipresente do Tao não foi esquecida. 😍 Achei uma pena apenas que tenham substituído Aled (um dos protagonistas de Rádio Silêncio, outro livro da autora) por Isaac – que é um fofo, mas não é Aled. Pelo que li por aí, a autora não quis “desperdiçar” o personagem de Aled porque talvez exista uma chance de Rádio Silêncio ser adaptada, mas o tempo dirá.

Além de contar uma bela história de amor, Heartstopper é uma série que dá espaço não apenas à representatividade gay, mas bissexual, lésbica e trans – que costumam ser menos retratadas nas mídias. De modo geral, ela trabalha com muita sensibilidade o processo de se descobrir não-heterossexual. Enquanto Nick tenta entender seus sentimentos, o espectador sente o coração se apertar com o medo que ele sente, especialmente ao se deparar com notícias sobre homofobia. Ao mesmo tempo, a trama de Alice Oseman (seja na HQ, seja na série) não é focada em priorizar a possível dor que envolve se identificar como parte de uma minoria, mas sim em florescer a partir disso e se descobrir como alguém digno de todo o amor que qualquer um merece. O personagem de Charlie representa bem esse processo: se de início ele se esmaga para caber em espaços que não lhe foram dedicados, com o tempo ele percebe (e é ajudado pelo amor de Nick) que não deve aceitar migalhas e tem direito de reivindicar o espaço que merece.

Nem sei descrever o quão delicioso foi ver Heartstopper em carne e osso. Terminei o último episódio com lágrimas que eu não sei se eram de emoção ou de alegria (provavelmente os dois!) por ver essa história sendo contada de um jeito tão lindo, inspirador e importante. A representatividade de Heartstopper é maravilhosa e imprescindível, sendo uma série que mexe com o nosso coração e nossas memórias afetivas ao mostrar o lado mais fofo da adolescência com uma perspectiva queer tão necessária. Desejo que cada vez mais produções desse tipo ganhem espaço na TV, no cinema, nos streamings e no coração das pessoas. ❤ 🌈

Título original: Heartstopper
Ano de lançamento: 2022
Criação: Alice Oseman
Direção: Euros Lyn
Elenco: Joe Locke, Kit Connor, William Gao, Yasmin Finney, Tobie Donovan, Cormac Hyde-Corrin, Rhea Norwood, Sebastian Croft, Olivia Colman

Dica de Série: What If…?

Oi pessoal, tudo bem?

Pra quem adora Marvel como eu, vim dividir minhas impressões sobre What If…?, uma série de animação interessante e muito bem feita. 😀

Sinopse: Reimagine os maiores eventos do universo Marvel e pondere as realidades que poderiam nascer.

Você já parou pra imaginar o que aconteceria se não tivesse sido o Steve Rogers a tomar o soro do Super Soldado? Ou se o Stephen Strange tivesse perdido a mulher que ama, em vez da habilidade com as mãos? E se os Vingadores fossem todos mortos? Essas são algumas das perguntas que essa série imagina e busca responder.

Com episódios curtinhos, entre 20 minutos e meia hora, What If…? dá um gostinho que leitores de HQ provavelmente já experimentaram em algum ponto: presenciar uma história já conhecida sendo totalmente repaginada, em um universo diferente, de forma diferente. E isso é muito legal porque a antologia provoca a nossa imaginação para a ideia do Multiverso.

Aliás, foi aqui que me deparei pela primeira vez com o Multiverso sendo algo de extrema relevância para a próxima fase do MCU. Não vou contar nenhum detalhe, mas é em What If…? que temos o primeiro vislumbre de um Stephen Strange diferente que, pelo menos ao que os trailers indicam, será introduzido também nos cinemas graças a Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Além disso, o conceito de Multiverso também já apareceu na série do Loki e no filme mais recente do Homem-Aranha. Pra quem assistiu What If…?, isso já vinha sendo pavimentado muito bem.

Nem todos os episódios são legais, confesso (no episódio do Thor eu dormi rs). Mas os que são compensam! Além disso, a animação é super bonita e tem um traço bastante único, do qual gostei bastante. São apenas 9 episódios e já houve a confirmação de que teremos uma segunda temporada, agora basta aguardar se ela terá relação com os eventos que se aproximam no MCU.

Resumindo, What If…? é uma série bem produzida, com eventos interessantes e peculiares e também traz um gostinho desse tema tão importante que é o Multiverso. Pra quem gosta da Marvel, vale muito a pena dar o play e se perguntar também o que aconteceria se. Recomendo! 😉

P.S.: um outro motivo muito especial para assistir What If…? é a chance de ouvir pela última vez uma produção inédita com Chadwick Boseman, que dublou nosso querido T’Challa. Wakanda Forever! 🥺💔

Título original: What If…?
Ano de lançamento: 2021
Direção: Bryan Andrews
Elenco: Jeffrey Wright, Samuel L. Jackson, Chadwick Boseman, Hayley Atwell, Mick Wingert, Lake Bell, Jeremy Renner, Benedict Cumberbatch, Josh Keaton, Danai Gurira, Tom Hiddleston, Michael B. Jordan, Karen Gillan, Chris Hemsworth, Sebastian Stan

Review: Red: Crescer é uma Fera

Oi pessoal, tudo bem?

Hoje vamos conhecer o super carismático Red: Crescer é uma Fera, o novo filme da Pixar disponibilizado no Disney+. 

Sinopse: Uma menina de 13 anos começa a se transformar em um panda vermelho gigante sempre que fica animada.

Meilin Lee (também conhecida como Mei ou Mei-Mei) é uma garota sino-canadense que divide seus dias entre se divertir com as amigas e falar sobre sua boy band favorita, 4*Town, e auxiliar sua mãe, Ming Lee, com o templo da família, um local turístico que preserva as tradições chinesas e o respeito ao red panda – animal que, segundo a lenda, a ancestral de Mei-Mei era capaz de transformar. A vida tranquila e previsível da garota muda radicalmente quando, em um belo dia, ela própria se vê transformada em um red panda enorme, e nessa ocasião Ming Lee revela que todas as mulheres da família passam por essa transformação. Na tentativa de tranquilizar Mei-Mei, sua mãe explica que há um ritual que pode tirar o panda de dentro de si, mas precisa ser feito em um dia específico, que está a 30 dias de distância. Como Mei vai lidar com as transformações em red panda, que parecem acontecer sempre que suas emoções flutuam?

Red: Crescer é uma Fera traz a alegoria à menstruação diretamente no nome. E esse tema não é tratado como tabu por Ming Lee, que aborda a filha (antes de saber sobre a transformação em red panda) com remédios pra cólica, vários tipos de absorvente com abas e com uma naturalidade muito bacana de ser vista na tela. Ainda mais se pensarmos que a menstruação é um assunto tabu em muitos lugares, que grande parte dos homens não fica confortável com o assunto e que a publicidade reforça a menstruação como algo irreal ao trazer um líquido azul pra mostrar a eficácia de seus absorventes, por exemplo.

O fato de Mei-Mei se transformar em red panda quando suas emoções saem do controle é genial, porque não se limita a emoções negativas, mas também a altos níveis de excitação e alegria. É uma forma gráfica e fofa de mostrar como a adolescência pode ser desafiadora em vários níveis, especialmente porque estamos descobrindo nosso lugar no mundo, lidando com muitas mudanças e com uma dose cavalar de hormônios que não estávamos habituadas. Até o cheirinho acentuado de cecê que chega com as mudanças corporais tem vez, dessa vez associado à transformação num animal peludinho e com cheiro específico. 😂

Outro aspecto muito legal de Red: Crescer é uma Fera é o fato de que o filme é focado e destinado a mulheres como público-alvo. Não que homens não possam se identificar e gostar (pelamor né, a gente sempre vê filmes destinados a homens sem chiar, então se aquietem), mas a essência de Red é realmente as relações de Mei-Mei com as mulheres à sua volta. A amizade dela com Miriam, Addie e Priya é sensacional e me transportou de volta à escola: os crushes nos meninos, o amor por uma banda (no meu caso, RBD rs), aquela sensação de querer fazer de TUDO pra conhecer seus ídolos (de novo, no meu caso, 8h na fila pra ver o show do RBD hahaha)… tudo isso é muito fofo e dá uma sensação gostosinha demais, tanto pela nostalgia quanto pela amizade feminina em foco. ❤

A outra relação marcante é a de Mei com Ming Lee. Li diversos comentários sobre o filme vindos de pessoas com descendência chinesa comentando que o filme não exagera ao retratar a dinâmica entre a protagonista e sua mãe. Existe um nível de exigência enorme e sufocante pela excelência, que não dá espaço à diversão e ao diálogo. Ao mesmo tempo, a protagonista vive um dilema entre manter sua relação com a mãe intacta versus ser fiel a si mesma e às mudanças pelas quais está passando. Um exemplo disso é quando Mei-Mei se esforça pra mostrar à mãe por que precisa ver o 4*Town e é privada de receber um voto de confiança; com isso ela se questiona: por que ser perfeita, afinal, se os pais (ou melhor, a mãe) não confiam nela mesmo com todo o seu empenho em ser uma boa filha? O funcionamento das duas também dá espaço a uma das maiores lições do filme: guardar os sentimentos ruins sem extravasar de forma saudável é algo potencialmente “venenoso” e destrutivo, e que é necessário pedir perdão e ouvir os filhos. Preparem-se, porque o famigerado trauma geracional vem forte nesse ponto do enredo, hein!

Como aspectos negativos, eu acho que só a personalidade da Mei que não me agradou tanto mesmo. Achei a personagem um pouquinho enjoada/cansativa e a preferi na forma de red panda hahaha! Também não gostei muuuito do estilo de traço, a boca dos personagens com seus dentes arredondados me fez lembrar de A Fuga das Galinhas. 😂 Em contrapartida, um dos pontos fortes do filme reside no tom leve e engraçado: perdi as contas de quantas risadas dei nas mais variadas cenas. Acertaram muito a mão na comédia, mas a parte dramática não chegou a me emocionar.

Red: Crescer é uma Fera tem muito mérito por focar no crescimento sob a ótica feminina, trazendo a relação entre mulheres como um pilar de força e acolhimento. A adolescência é um período difícil por si só, mas se torna muito mais tranquilo de velejar por esse mar cheio de mudanças quando temos o apoio daqueles que nos rodeiam. E, como o pai de Mei-Mei ensina sabiamente à filha, é importante que nesse processo a gente abrace todas as nossas facetas, das cheias de qualidade àquelas que também trazem nossas trevas, com o objetivo de equilibrar e aprender a lidar com todos esses nossos lados. Prepara a pipoquinha e dê o play em Red, eu recomendo muito! 

Título original: Turning Red
Ano de lançamento: 2022
Direção: Domee Shi
Elenco: Rosalie Chiang, Sandra Oh, Ava Morse, Hyein Park, Maitreyi Ramakrishnan, Orion Lee

Review: Batman

Oi pessoal, tudo bem?

Ontem fui assistir ao filme do Morcegão, o famoso Batman! ❤ Bora descobrir o que eu achei do longa, cujo hype está nas alturas?

Sinopse: Batman (The Batman, no original) segue o segundo ano de Bruce Wayne (Robert Pattinson) como o herói de Gotham, causando medo nos corações dos criminosos da sombria cidade. Com apenas alguns aliados de confiança – Alfred Pennyworth (Andy Serkis) e o tenente James Gordon (Jeffrey Wright) – entre a rede corrupta de funcionários e figuras importantes do distrito, o vigilante solitário se estabeleceu como a única personificação da vingança entre seus concidadãos. Durante uma de suas investigações, Bruce acaba envolvendo a si mesmo e Gordon em um jogo de gato e rato, ao investigar uma série de maquinações sádicas em uma trilha de pistas enigmáticas estabelecida pelo vilão Charada. Quando as evidências começam a chegar perto de casa, e a escala do criminoso fica clara, Batman precisa criar novas relações, desmascarar o culpado e levar justiça para o abuso de poder e corrupção que assolam Gotham há muito tempo

De cara a vibe de Batman me lembrou a de Coringa, ao trazer um início sóbrio e sem trilha sonora, com um lettering enorme do nome do filme. Os primeiros minutos já dão certa aflição, com uma cena de abertura em que um homem é observado com uma espécie de binóculo e, como som, há somente uma respiração ofegante. Esse homem é a primeira vítima de Charada, o antagonista do filme, que tem planos grandiosos de destruição em Gotham – contra os quais nosso “herói-anti-herói” (se é que dá pra chamar assim) vai lutar.

A trama se passa cerca de 2 anos após Bruce Wayne assumir o manto de Batman e iniciar seu trabalho como vigilante nas sombras da cidade. O filme acerta em trazer um Batman já estabelecido e em colaboração com o tenente Jim Gordon, porque dessa forma é possível focar mais no personagem, na investigação e nas relações intrincadas dos membros de uma cidade tomada pelo caos, pela criminalidade e pela corrupção. Esta última palavra define tudo aquilo contra o que o Batman luta, e não demoramos a entender que o Charada também tem o mesmo objetivo, mas de forma totalmente deturpada.

Batman tem uma atmosfera pesada e realista, e as cenas que exageram um pouquinho na ação não soam forçadas. Aliás, ação de qualidade é o que não falta no longa: temos coreografias muito bem feitas e movimentos precisos por parte de Robert Pattinson, que coloca muita violência em cada soco dado por Batman. A fotografia colabora muito pra impressionar ainda mais, como por exemplo em uma cena na qual Batman luta em meio a tiros, sendo os disparos a única fonte de iluminação. A forma do diretor de conduzir as lutas impressiona, captura a atenção e nos faz prender a respiração.

Mas não posso falar de Batman sem mencionar os personagens e a performance dos atores. Robert Pattinson entregou tudo e mais um pouco em sua performance, conseguindo transmitir a emoção cansada e desconectada de sua própria humanidade de Bruce Wayne, bem como a ferocidade do Batman. O ator não deixa nada a desejar a Christian Bale (outro Batman que eu adoro), com a diferença primordial aqui sendo o próprio Bruce: enquanto a versão de Bale se utiliza da extravagância pra se misturar às pessoas e não levantar suspeitas, a versão de Pattinson do personagem é sombria e reclusa. Temos também a excelente performance de Zöe Kravitz no papel de Selina Kyle. Sua Mulher-Gato é uma mulher que trabalha no clube de um dos maiores mafiosos de Gotham e tem como objetivo pessoal resgatar sua amiga, que também trabalha lá, do perigo que os principais figurões da cidade representam. Devido ao objetivo em comum de desmascarar essas pessoas, ela e Batman começam a trabalhar juntos, e a tensão sexual entre eles é palpável – ainda que existam poucos momentos pra que isso seja desenrolado. O mais bacana, nesse caso, é perceber que a Mulher-Gato não é simplesmente o interesse amoroso do Morcego: ela é um indivíduo completo, com suas próprias motivações, que faz o que precisa fazer e tem sua história e seu passado trabalhados durante o longa.

As atuações primorosas não se resumem à dupla formada pelo Morcego e pela Gata. O Jim Gordon de Jeffrey Wright não só convence como nos faz criar confiança e empatia, pois no meio de tanta podridão ele é um homem que luta pelo que é certo. O Alfred de Andy Serkis é um aliado vital do Batman, mas é também um vínculo com a humanidade de Bruce. Sem ele, provavelmente não restaria muito do homem, somente do Morcego. Colin Farrell como Pinguim está irreconhecível, e olha que fiz muito esforço pra enxergar o homem por trás da maquiagem. Ele consegue transmitir muito asco ao espectador, e provavelmente terá mais participações caso existam mais filmes por vir. Por último, mas não menos importante, o Charada de Paul Dano é fantástico: eu nunca tinha visto uma versão do personagem tão sombria. O homem é completamente insano e, por mais que seu objetivo seja desmascarar a corrupção de Gotham, seus meios são terríveis e caóticos.

Batman é um filme extraordinário do início ao fim, que equilibra excelentes cenas de ação, uma fotografia sombria e imersiva, atuações impecáveis e uma trama que vai crescendo até o ápice. Se a trilogia de Nolan (mega reconhecida e respeitada, e por isso tão utilizada como parâmetro) é incrível, o novo Batman também é, e merece todo o hype que vem recebendo. O longa ainda deixa espaço para futuros filmes cheios de potencial, e eu mal posso esperar para o que está por vir. Minha dica é: corram pro cinema, vocês não vão se arrepender. 🦇

Título original: The Batman
Ano de lançamento: 2022
Direção: Matt Reeves
Elenco: Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Jeffrey Wright, Colin Farrell, Paul Dano, John Turturro, Andy Serkis